MONOTIPIA: estampación con plancha de gel

Explorar la técnica de monotipia con plancha de gel.

La técnica de estampación con base de gel, también conocida como "gelli printing" o "gel plate printing",  es una forma de imprimir diseños utilizando una plancha de gel como superficie de impresión.

La monotipia es una una técnica artística de estampación que se caracteriza por la obtención de una única impresión de una imagen, a diferencia de la impresión tradicional que permite múltiples copias.

La monotipia combina elementos de pintura y grabado. Se realiza aplicando pintura sobre una lámina (generalmente vidrio, metal, acetato o gelatina) y luego estampando sobre papel u otro soporte. La imagen resultante es única, ya que cada impresión es diferente debido a la forma en que la pintura se aplica y se transfiere al soporte. 

Materiales necesarios

• Plancha de gel (una por pareja o grupo pequeño)

• Rodillos

• Pintura acrílica

• Papeles varios (papel blanco, kraft, reciclado, de colores)

• Texturas urbanas recolectadas (hojas, redes, papeles troquelados, cartones con relieve, objetos cotidianos…)

• Cúter o tijeras

• Paletas o platos para pintura

• Trapos o toallitas húmedas.

Desarrollo de la actividad

 Introducción y experimentación

1. Presentación breve (10 min): Explicación de la técnica de estampación con plancha de gel. Mostrar ejemplos visuales (pueden ser propios, de artistas o vídeos breves).

2. Búsqueda de texturas (20 min): Salida al entorno cercano (patio, pasillos, mochilas…) para recoger objetos/texturas. Si no es posible, se puede traer de casa.

3. Primeras pruebas (20-30 min): Experimentación libre con la plancha de gel. Estampar usando distintos objetos/texturas para entender cómo funciona la técnica.

 Composición final

1. Diseño de la composición (15 min): Cada alumno decide una composición personal inspirada en el tema “texturas urbanas” o “mi entorno”.

2. Estampación final (35-40 min): Realización de la obra definitiva en papel A4, jugando con capas, colores y transparencias.

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LA CIANOTIPIA

 La cianotipia es una técnica de impresión fotográfica que utiliza la luz para crear imágenes en color azul prusia o turquesa. Implica la exposición de un material sensibilizado con una solución química a la luz, generalmente solar o ultravioleta, para obtener una imagen positiva.

El proceso químico de la cianotipia implica la reacción de dos compuestos químicos: ferricianuro de potasio y citrato de amonio hierro (III). Estos compuestos se mezclan en una solución acuosa y se aplican sobre un papel o tela. Luego, se expone a la luz UV o solar, lo que provoca la reducción del hierro (III) a hierro (II) y la oxidación del ferricianuro de potasio a ferrocianuro de potasio. Esta reacción química produce un compuesto azul insoluble en agua, que es lo que da lugar a la imagen final de la cianotipia.

LA ESCULTURA A LO LARGO DE LA HISTORIA

 

GRADO DE ICONICIDAD

Con este cuadro " La traición de las imágenes" Rene Magritte nos hace pensar. En el texto nos dice "Esto no es una pipa". A lo que se está refiriendo es que lo que estamos viendo no es una pipa si no la representación de una pipa.

Con esta obra se ilustra, claramente, una de las definiciones de Imagen como la representación de parte de la realidad.

Cuando en una imagen hablamos de ICONICIDAD nos estamos refiriendo al grado de parecido con la realidad. 

Las escalas de iconicidad son clasificaciones arbitrarias que se basan en las relaciones de semejanza entre una imagen y su referente(lo que representa), y se ordenan por niveles. Si partimos de la realidad, cada cambio de nivel supondrá una pérdida de información y un avance hacia la abstracción.

Antes de ver una de estas clasificaciones tenemos que tener claro una serie de conceptos: imagen figurativa( realista y no realista) y abstracta.

Imagen figurativa: Es una representación visual cuyas formas son identificables mediante alguno de nuestros sentidos, poniéndolas en relación con figuras que existen en la realidad. Puede ser realista o no realista.

--Imagen figurativa realista: Se denomina realista a la imagen fiel a la realidad que representa, a veces confundiéndose con ella(Hiperrealismo)

Cuadros Hiperrealistas de Antonio López.

Imagen figurativa no realista: Es la imagen en la cual se identifica lo que está representado pero no hay un alto grado de semejanza con la realidad.

Cuadros de Picasso.

Imagen abstracta: Aquella que prescinde por completo del objeto y de la figura y se compone mediante la combinación de líneas y colores

Cuadros de  Hilma af Klimt y Vasily Kandinsky 

Ejemplos de como cambiaríamos los grados de iconicidad de una imagen.

En el siguiente enlaces podéis ver como Pablo Picasso va cambiando el grado de iconicidad de un toro.
https://youtu.be/pkMcrAj_8hE

Ejercicio: 

Partiendo de una de las siguientes imágenes y basándonos en el ejemplo del conejo, realiza los diferentes niveles de iconicidad. Parte de la imagen y llega a la abstracción.

El ejercicio se realizará en lámina, la cual, se dividirá en seis partes iguales.

Pasos:

1-Dibujo realista en blanco y negro.
2-Dibujo figurativo en color.
3-Dibujo simplificado.
4-Dibujo mediante elementos característico del contorno.
5-Abstracción.

PROYECTO DE ESCULTURA SOBRE LA OBRA DE LOUISE NEVELSON

Louise Nevelson (1899-1988), artista americana de origen ucraniano. Es conocida por sus cajas, agrupadas dentro del expresionismo abstracto. 

Louise Nevelson solía recurrir a objetos encontrados en el día a día para ensamblar sus composiciones.

En los años 50 es una de las primeras, dentro de la escultora norteamericana, en presentar ensamblajes, sus obras se consideraron como vanguardia norteamericana por ello.

La artista empotra en cajas apiladas reliquias de piezas de madera de varias clases, construyendo de este modo arquitecturas abstractas, monumentales y barrocas. Estas piezas lo mismo que sus títulos sugieren un mundo imaginario y poético. 

Las primeras esculturas de Louise Nevelson están pintadas de un negro mate pero más tarde se harán más luminosas y líricas, blancas y doradas.

El assemblage o ensamblaje es un proceso artístico en el cual se consigue la tridimensionalidad colocando diferentes objetos-no-artísticos muy próximos unos a otros. Los objetos no han sido diseñados con fines estéticos sino que han sido redescubiertos por los artistas quienes los incorporan a sus obras para expresar un mensaje o emoción. El assemblage es una técnica hermana de collage.

 

 

Este proyecto se va a trabajar como  una obra escultórica colaborativa.

 

Diseñar entre los componentes del grupo como van a ir las cajas colocadas. Diferentes composiciones, en horizontal o vertical, formato rectangular o cuadrado.

Individualmente cada uno realizará el interior de la caja.

 

Investigación:  vida y obra de la artista.

 

Trabajamos:

 

- El proceso creativo. Buscar información de que se ha hecho, generar ideas, recopilar  materiales, resolución final.

- Sensación de profundidad por superposición.

- Composición. Aplicar los conceptos aprendidos sobre ritmo y equilibrio.

- Volumen.

- Técnica- el ensamblaje

OBRAS DE REFERENCIA

 

 

 

 

 

PROCESO

 

1.  Las composiciones se realizarán dentro de cajas construidas por cada alumno, con cartón reciclado.

 

 

2.  Recopilación de objetos, juguetes rotos o viejos, tapones, redecillas, botes de yogur bebido, botellas, hueveras, cordones, etc… todo lo que se nos ocurra.

 

3. Los diferentes objetos se colocarán dentro de la caja teniendo en cuenta los principios de composición aprendidos. Los diferentes materiales se pegarán con silicona caliente.

 

         

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4. Una vez realizada la composición, todo el conjunto se pintará, de un sólo color, mediante spray  y se hará la composición de las cajas.

                

 

EL COLLAGE

 

Historia y técnica del collage en el arte from Raquel Martín Contreras

TEORIA DEL COLOR: Armonías

 

Teoría del color armonias (1).pptx from Raquel Martín Contreras